Cette exposition serait la première exposition muséale et rétrospective de Delphine Reist et de Laurent Faulon. Même si les deux artistes (l’un français, l’une suisse) travaillent parfois séparément, c’est lorsqu’ils se côtoient que leur travail ne fait qu’être renforcé.

Quelques guest-star françaises viendraient ponctuer le parcours de cette exposition : Claire Fontaine, Vincent Ganivet, et avec la participation exclusive de Claude Lévêque. Claude Lévêque ami de longue date de la famille Faulon, certaines de ces démarches semblent trouver des échos dans le travail de Delphine et Laurent.

Souvent réalisées in situ, et pour ainsi dire éphémères, les oeuvres de ces 3 artistes (LF, CL et DR) ne se prêtent pas à l’exercice de la rétrospective. Pourtant tel est l’enjeu de cette exposition.

+ de texte à venir.

Description de l’exposition …

En arrivant sur le parvis des anciens Abattoirs de Toulouse, une oeuvre de Delphine Reist accueille le visiteur. Cette oeuvre (qui serait composée d’objets de notre quotidien mouvants) perturberait le parcours (habituel) des visiteurs (habituels) vers l’entrée du lieu-dit musée.

Sur le “fronton” du musée serait accroché un travail récent de Claude Lévêque : At night, while you are sleeping, I destroy the world, 2007. Cette oeuvre donne son nom à l’exposition.

Au niveau du point billetterie, derrière les agents d’accueil, une cimaise serait installée. Sur cette dernière, une oeuvre de Claude Lévêque présente dans les collections du musée des Abattoirs serait accrochée.

Claude Lévêque, Autour de la maison, 1987.

Dans la grande nef se trouveraient 1 oeuvre (tables, bancs, nappes, produits de consommation courante vendus par lot) de Laurent Faulon au sol ; Sous les drapeaux (2006) de Delphine Reist au plafond ; des néons, des photos de Claude Lévêque et Claire Fontaine aux murs.

Claude Lévêque

Claire Fontaine, Étrangers partout

Le parcours dans les salles d’exposition se décomposent de droite (5 salles ; salle n°1 à n° 4 ; en bas salle n° 9) à gauche (5 salles ; salle n° 5 à n° 8 ; en bas salle n° 10) ; de haut (salle n° 1 à n° 8 + nef) en bas (esplanade ; salles n° 10 et 11; choeur).

Salle n° 1 / Cette salle donnerait un aperçu “raw” des oeuvres de Claude Lévêque en 1990. 1990 marque la première rencontre des oeuvres de Laurent Faulon et de Claude Lévêque, lors d’une exposition collective, organisée par Eric Troncy en Suisse : French Kiss, a talk show.

3 oeuvres de Claude Lévêque et une installation sonore de Laurent Faulon (pourrait être produite pour la rétrospective). Laurent Faulon avait présenté de “petits objets” évoquant des cochons ; la bande son pourrait être proche de cette oeuvre.

Sans titre, 1990.

Salle n° 2 / Cette salle filerait la thématique des néons présents autant dans une partie du travail de Claude Lévêque et de Delphine Reist. Une vidéo de Delphine Reist (présentée lors du Printemps de Septembre, 2008, signé Christian Bernard) serait projetée sur un grand mur ; au sol un Mandala de Vincent Ganivet.

Delphine Reist, Averse, 2007. Installation vidéo, en boucle, 5′

Vincent Ganivet, Mandala, poussière, débris

Salle n° 3 / 1 oeuvre de Laurent Faulon

Bassines et récipients divers, eau saumâtre, moteurs électriques créeant des tourbillons et des vagues à la surface de l’eau.

Salle n° 4 / 3 oeuvres : Laurent Faulon, Claude Lévêque et Delphine Reist. Une oeuvre accrochée au mur, 2 “sculptures”.

Salle n° 5 / Delphine Reist et Laurent Faulon proposeraient une oeuvre produite pour la rétrospective (une co-oeuvre ou 2 oeuvres distinctes) et qui résonnerait avec les oeuvres de CL de la salle n° 1.

Salle n° 6 / Claude Lévêque (oeuvre in situ du FRAC Pays de la Loire, déambulateur, néon)  et Delphine Reist.

Salle n° 7 / Delphine Reist et Vincent Ganivet (des travaux similaires, tels les fontaines).

Salle n° 8 / Laurent Faulon (une vidéo retraçant plusieurs de ses performances). Les vidéos seraient présentées soit : – des moniteurs télé posés au sol ; – et/ou sur des moniteurs télé posés sur des socles.

Niveau inférieur :

Esplanade / Une vidéo de Delphine Reist (sur un socle) + 1 néon et 1 sérigraphie de CL

Salle n° 9 / I wanna be your dog de Claude Lévêque

Salle n° 10 / Delphine Reist et Laurent Faulon

Choeur / Les bottes de Delphine Reist. Sur le mur du fond, la carte de France enflammée de Claire Fontaine.

(les autres images sont à venir).

- Dove Allouche -

- Felix Schramm -

]]> http://anotherrealblog.wordpress.com/2011/08/08/untitled-continuous-project-for-a-landscape-exhibition-project-unknown-number-2009/feed/ 0 leretourdureel M3 dove allouche parisart-14-DP_dove_allouche-g-74319 artwork_images_425493080_377526_felix-schramm http://anotherrealblog.wordpress.com/2011/08/07/paysage-identite-nationale-idees-1-national-identities-landscape-ideas-1/ http://anotherrealblog.wordpress.com/2011/08/07/paysage-identite-nationale-idees-1-national-identities-landscape-ideas-1/#comments Sun, 07 Aug 2011 21:54:59 +0000 leretourdureel http://anotherrealblog.wordpress.com/?p=915 Lire la Suite

Delphine Reist, Raphaël Boccanfuso.

exposition 2.0 “Identité Nationale”, 24 février – unlimited, WordPress, France, 2009.

artistes présentis : Delphine Reist (Suisse), Raphaël Boccanfuso (France, Suisse). L’identité de la France dans l’art actuel pourrait se trouver aux frontières …

L’idée de l’exposition serait simple :

deux ou trois oeuvres à l’extérieur d’un lieu aride. une sorte de ville désert et chantier (doha ?). palmiers et bennes.

à l’intérieur, accueilli par les cartes postales et les drapeaux de …

pour les salles principales, les oeuvres ne sont pas encore trouvées. mon imagination travaille. mais il y aura un agencement façon “exposition muséale et ethnographique”. quelque chose de classique. comme cette oeuvre.

cette exposition tourne aussi autour de l’idée de récupération. ces artistes sont un peu des héritiers de John Armleder, héritiers de la période Emmaus de l’art. Avec un rien, on fait un tout (très réussi).

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Ce serait une erreur d’imaginer que la fiction s’oppose au réel comme le faux au vrai. Dans le Partage du Sensible Jacques Rancière propose que « le réel doit être fictionnée pour être pensé. » Il crée un verbe : « fictionner ». Par ce mot, il n’entend pas « falsifier » mais plutôt « mettre en récit » ou simplement «représenter », en tout cas proposer une lecture de la réalité. Cela suppose que la réalité, ce n’est pas le réel. Le réel, ce serait l’a priori pour parler comme Kant, dont on doit supposer l’existence, pour pouvoir faire une représentation, pour pouvoir agir dans le monde. En affirmant que « le réel doit être fictionné pour être pensé », Rancière définit en quelque sorte le rôle et le fonctionnement de l’art dans la redistribution du sensible, car la mise en fiction, en récit et en œuvre est le propre de l’art dans toutes ses formes.

On a beaucoup dit dans les cercles proches de la Biennale de Paris qu’il s’agit de promouvoir une forme d’art soucieux d’ « opérer dans le réel ». Qu’est ce que ça veut dire ? Tout le monde agit dans le réel – après tout, les musées, les galeries sont également « dans le réel ». Mais il s’agissait plutôt d’affirmer qu’on accompagnait des pratiques qui ne se contentaient pas d’opérer dans la seule dimension symbolique. Opérer dans le réel, c’est ne pas se satisfaire d’opérer dans le symbolique, à savoir dans les cadres prévus pour l’art. En l’absence du cadre, ou plus précisément en deçà du coefficient de visibilité artistique conférée par le cadre, les choses existent, mais ne sont pas perçues comme de l’art. Et dans ce cas-là, on fictionne en effet le réel (pour pouvoir le penser), mais il ne s’agit pas d’une fiction artistique, ce n’est pas comme quand on lit un roman et que l’on sait que les personnages n’agissent que sur le seul « paysage ontologique » de la fiction, pour reprendre un terme proposé par le théoricien de la fiction Thomas Pawel. Autrement dit, nous court-circuitons la performativité de l’art (selon laquelle n’est art que ce qui est performé comme tel) pour laisser agir ce qui est fictionné dans le réel justement. Et c’est là où les tactiques de fiction, pour moi, deviennent corrosives, parce que c’est là où les paysages ontologiques incompatibles rentrent en collision (pensez par exemple à Don Quichotte qui brisait en mille morceaux le petit théâtre du Maître Pierre puisqu’il avait perçu la représentation en dehors du cadre de l’art).

Stephen Wright

(…) - read more.

Lettre de soutien du 03/12/2007

J’ai connu Baptiste Debombourg à l’école des Beaux-Arts de Paris en 2002 et je l’ai exposé la même année au Passage de Retz pour la première édition de l’exposition, désormais annuelle, intitulée « Première vue ». Ayant observé que le lieu était une ancienne usine de jouets, il avait exposé un urinoir, qui faisait penser à celui de Duchamp, et l’avait construit en Légos multicolores.

Lors de cette exposition, j’ai pu apprécier non seulement les qualités artistiques mais encore les qualités humaines de Baptiste Debombourg qui, pour chacune des éditions de « première vue » m’a recommandé des artistes avec beaucoup de générosité. Dans un milieu où chacun peut paraître d’abord tourné sur soi-même, ce n’est pas ordinaire.

Je l’ai réexposé au CCC de Tours où nous avons procédé à un entretien en public. Baptiste Debombourg a l’esprit clair et sait analyser avec finesse et acuité son travail comme celui des autres.Il est également très actif dans toutes sortes de structures où son zèle d’animateur, son enthousiasme, son implication font merveille.Mais c’est l’artiste qui, d’abord, bien entendu, m’intéresse avec ses meubles déchiquetés, recomposés, ses murs qui se boursouflent et qu’on colmate, ses phrases écrites avec des bouts de mégots, ses morceaux de verre éclatés somptueux. Tout cela peut être vu d’une façon sociologique voire politique. J’y vois surtout, du moins autant, l’expression d’une faille qui cherche à se masquer, à se reconstruire. Et un travail qui, se situant volontiers aux limites de l’architecture, respire large.

Baptiste Debombourg est un de ces artistes à qui l’on peut faire confiance au delà des curriculum vitae ou des dossiers : c’est une personne qui rendra au centuple ce qu’on lui a donné, encore une fois artistiquement et humainement. Vous verrez, c’est quelqu’un de magnifique. Accordez-lui tout ce qu’il demande : parmi beaucoup de jeunes gens qui se disent artistes et qui m’apparaissent pour beaucoup frelatés, voici quelqu’un d’inventif, de riche et de vrai qui se développera non pas dans l’immédiat pour disparaître dans trois ans, mais dans le long terme. Il vaut la peine d’être aidé.

Michel Nuridsany

LA REDOUTE, 2005

http://www.baptistedebombourg.com/fr/works/la-redoute

CRYSTAL PALACE, 2008

TURBO, 2008

- Bien sûr, l’existence n’est pas telle que je me la représentais quand j’étais jeune fille. C’est bien ce qui me donne envie de lire quelque grand écrivain, [...]

Parce que de temps en temps, – ce n’est pas que je rechigne contre le lot que le Tout-Puissant m’a accordé, ni que ma vie avec ton père ne soit relativement heureuse, – mais de temps en temps j’éprouve le désir de sortir de cette existence et d’entre dans une autre, – momentanément.

- Mais ce n’est pas juste, c’est une erreur grave et que tout le monde commet : l’art n’est pas un moyen d’éluder l’existence !

- Non ?

-Il faut croire que tu n’as pas écoute ce que je te disais , ou bien tu ne m’as pas compris. L’art n’est pas une évasion hors de la vie. Il est exactement le contraire de cela. L’art c’est l’expression même, l’expression centrale de la vie. L’artiste n’est pas un individu qui suspend sur la foule un ciel mécanique. C’est le prêtre qui fait cela. L’artiste tire ses affirmations de la plénitude de sa propre vie, il crée …

Stephen le Héros (Stephen Hero), James Joyce.

lire aussi : A Portrait of the Artist as a Young Man (version retravaillée de Stephen Hero)

@ WIELS

Riding on a BMW motorcycle, Gonzalo Lebrija undertook a journey along the Peninsula Baja California. The choice of the vehicule for this action art is not free: the model in the series R75/5 has an accessory that Lebrija used as a working tool. Indeed, the two chrome plates on Riding on a BMW motorcycle, Gonzalo Lebrija undertook a journey along the Peninsula Baja California. The choice of the vehicule for this action art is not free: the model in the series R75/5 has an accessory that Lebrija used as a working tool. Indeed, the two chrome plates on the sides of its gas tank – which has given to the vehicle the nickname of toaster – is used by Lebrija as a mirror reflecting the landscapes that he re-treats with a camera along his journey. The result is a collection of 66 photographs that translate, as a chronicle of travel, the vicissitudes of Lebrija through the Bajacaliforniano territory.

ADRIEN MISSIKA use de nombreuses références au voyage et au romantisme. Elles prennent tout leur sens dans la série « FABRIQUES » (2006-2009) qui donne son nom à l’exposition. Les fabriques de jardin sont des constructions édifiées principalement du XVIIe au XIXe siècle dans les parcs ou les jardins et dont l’inspiration est aussi variable qu’improbable : romantique, grotesque, orientale, imaginaire ou romanesque. Elles ont connu un fort engouement grâce à l’essor du romantisme et des jardins à l’anglaise. L’implantation d’une « fabrique » pouvait répondre à une simple recherche du pittoresque, mais le romantisme de la fin du XVIIIe siècle enrichit leur disposition d’une dimension philosophique. La succession des « fabriques » sur le parcours du promeneur devenait alors un support à la réflexion: cénotaphes (monuments du souvenir), temples de la philosophie, ermitages, grottes.

Ces paysages mystérieux ne sont pour une fois le fruit d’aucun montage. Ils représentent une tour tronquée dans le désert de Retz (en région parisienne), une pyramide glacière dans le parc du château de Maupertuis, ou encore une table de style vernaculaire dédiée aux philosophes dans le parc Jean-Jacques Rousseau à Ermenonville. Voyageur romantique, ADRIEN MISSIKA dépeint une architecture paysagère dont les fonctions sont la contemplation, le jeu et la réflexion sur les relations entre le naturel et le construit, le rationnel et la magie, le décor et la réalité, le nouveau et l’ancien.

(c) galerie laurent godin

(c) ADRIEN MISSIKA

One day the father of Dutch conceptual artist Bas Jan Ader decided to ride his bicycle from the Netherlands to Jerusalem, almost on a whim. Years later, in 1975, Ader, living in the United States, would himself make a daring attempt to cross the Atlantic in the smallest boat ever. He disappeared at sea; he was thirty-three. His final performance was entitled In Search of the Miraculous.

The artist left behind a small body of work -some photos and films, a number of performances and actions, some texts. For conceptual art, it has an unusually romantic bent, as Ader repeatedly explored failure – falling from a roof, dropping from a tree, riding into a canal.

Bas Jan Ader, 1942 – 1975

Dutch/Californian artist Bas Jan Ader was last seen in 1975 when he took off in what would have been the smallest sailboat ever to cross the Atlantic. He left behind a small oeuvre, often using gravity as a medium, which more than 30 years after his disappearance at sea is more influential than ever before.

Bas Jan Ader was born to idealistic ministers in the Dutch Reformed Church on April 19, 1942. His father was executed by the Nazis for harboring Jewish refugees when Ader was only two years old. A rebellious student, he failed art school at the Rietveld Academy, where friend Ger van Elk recalls that he would use a single piece of paper for the entire semester, erasing his drawings as soon as they were finished. At the age of 19 he hitchhiked to Morocco, where he signed on as a deckhand on a yacht heading for America.

The yacht shipwrecked off the coast of California, and Ader stayed in Los Angeles where he enrolled at Otis Art Institute. There he met Mary Sue Andersen, the daughter of the director of the school. They married in Las Vegas, where he used a set of crutches to symbolically prop himself up during the ceremony. Ader then taught art and studied philosophy at Claremont Graduate School. In 1970 he entered the most productive period of his career, beginning with his first fall film, which showed him seated on a chair, tumbling from the roof of his two-story house in the Inland Empire.

In 1975 Ader embarked on what he called “a very long sailing trip.” The voyage was to be the middle part of a triptych called “In Search of the Miraculous,” a daring attempt to cross the Atlantic in a 12½ foot sailboat. He claimed it would take him 60 days to make the trip, or 90 if he chose not to use the sail. Six months after his departure, his boat was found, half-submerged off the coast of Ireland, but Bas Jan had vanished.

 

(c) : BAS JAN ADER OFFICIAL SITE / http://www.basjanader.com/